Call me by your name

Cuidao que vienen curvas. Oscar al mejor guión adaptado, "Call me by your name" deja en evidencia el discurso moralista facilón de los últimos años. ¿Gay pride? Yeah ¿Feminismo? Of course ¿Black power? A tope ¿Relación homosexual entre un adulto y un adolescente? Eh... bueno, ejem...

Les duele reconocerlo, pero esta película es demasiado para los yankees. De cara a la galería queda bien nominarla pero no nos pasemos. Oscar del montón y a mirar a otro lado. Degenerados.

Para ser justos con el puritanismo gringo, he de decir que si vas sin preaviso, te pilla en fuera de juego. La película empieza muy Europea; familia americana, culta, comprensiva y sensible pasa el verano bajo el radiante sol de Italia. En este enclave, se fragua una relación de cercanía entre Elio, el hijo adolescente del matrimonio y Oliver, un adulto seguro de sí mismo que pasa el verano con ellos. Todo parece indicar que la película girará en torno a cómo Elio ve en ese hombre adulto un reflejo de la seguridad y autoestima que desearía para él pero que la adolescencia le niega.

Hasta que de repente, felación.

Llamadme ingenuo, pero no me lo veía venir. Llega un momento que piensas "¿Se está insinuando el chaval?" Desconcierta un poco, hasta que pasan las escenas "¿Le está agarrando el paquete?" Ya ahí, miro al resto de espectadores de la sala desconcertado. "Un momento, ¿se están dando mandanga?". Ojo, a ver si es que van a ser maricas. No estoy seguro. "¿Se la está chupando? ¿Pero como amigos o en plan homosexual?"

Así es, jugando al límite. Menor de edad y hombre adulto. Al final te lo venden como que el amor es muy bonito y que cada uno hace en la vida lo que quiere y lo acabas comprando.

Lo mejor: Es maravilloso ver como Elio, un chaval de 1983, viste igual que cualquier viandante de Malasaña en 2018.

Lo peor: Elio tiene 17 años. Tú eres un treintañero con barriga que despista su incipiente alopecia dejándose barba. Un poco de dignidad, vístete normal.

Conclusión: Dicen que el primer amor no se olvida. Más aún si es un señor el que te ha atusado el lomo.

Under the skin

He de reconocer que fui a tiro hecho. Antes de sentarme a ver la impasible cara de Scarlett Johansson durante 108 minutos, me leí un par de críticas y sinopsis. Gracias a mi hábil adelanto al devenir del futuro, pude hacer frente al desnudo de la protagonista sin demasiados sobresaltos y, lo que es más importante, pude seguir el desconcertante guión de la mejor manera posible.

Parece ser que Scarlett es una viajera del espacio. Una extraterrestre que viste ropajes de puta muerta (no es una forma de hablar). Scarlett también tiene un jefe. Una especie de "chulo" que la manda a hacer maldades por él. Este colega está representado por el estereotipo de la dureza. Un motorista taciturno que va siempre vestido con el mono de motorista y echa miradas de reojo.

¿Y a qué debemos la visita de Scarlett a nuestro querido planeta? A ligar y matar.

Nuestra sosa protagonista, cual pervertida, se dedica a patrullar las calles en una furgoneta en busca de hombres a los que camelar. Obviamente, Scarlett y su folloneta son reclamo más que suficiente para que solitarios hombres con graves problemas de dicción caigan en la trampa.

Así es como nuestra rubia intergaláctica teñida de moreno engaña a sus confiadas víctimas y, de una forma muy poética, acaba con sus miserable existencia.

¿Con qué motivo Scarlett embauca hombres para luego matarlos? Eso ya hay que preguntárselo a su jefe, el motorista taciturno.

Pero tras unas cuentas incursiones furgonetiles, llegamos al loquísimo giro de guión. En una de sus cacerías nocturnas, Escarlata se encuentra con un hombre con una deformidad física. En ese momento la implacable asesina venida de las estrellas ¡siente piedad! Oh, los sentimientos y emociones humanas... su negro corazón comienza a latir.

Es aquí cuando decide abandonar el camino de la masacre humana y acercarse al complejo entramado emocional de los humanos. Grave error. Lo que no sabe es que a los humanos nos das la mano y te cogemos el brazo.

No hace falta decir que las poderosas garras de la maldad humana consigue convencer a nuestra vecina intergaláctica que este no es sitio para una pobre y desvalida sosainas. Para los que sois más despistados, esta es la parte de pensar de la película. Ya sabéis, el bien, el mal... esas cosas. Al final, ¿quién es la víctima? Tachán. Piensa. Fin.

Lo mejor: No me creo que un ser venido desde años luz de distancia tenga que recurrir al sucio truco de la furgoneta y los caramelos para secuestrar gente. Grande, señor guionista.

Lo peor: El penoso momento en que mata a un surfista de una pedrada (sí, de una pedrada, volvemos al tema de "ser venido del espacio al que se le presumen medios tecnológicos") y su posterior arrastre por la playa quita bastante temeridad al personaje de Scarlett.

Conclusión: A pesar de los consejos de mis padres, yo me hubiese subido a la furgoneta.

Somewhere

Hay un género cinematográfico que yo lo denomino "que no pasa nada".
Hay muchas películas donde, aparentemente, "no pasa nada".  No hay una estructura básica de inicio-desarrollo-desenlace. Se nos presenta la vida más o menos cotidiana de unos personajes durante cierto periodo de tiempo. Un género más que digno y difícil que nos ha dado grandes películas tan dispares como "Amarcord", "Un tipo serio" o el precedente "Lost in Translation".
Pues bien, ahora que me he hecho el listo, decir que "Somewhere" pertenece a este género.
O lo intenta.
La película habla de Johnny, una estrella de Hollywood. Famoso, rico, guapo, con un Ferrari, con barcos y con putas pero con un enorme vacío existencial. Fin. No es mal argumento. Es más, parece ser que Sofia Coppola sólo sabe hacer películas así, por lo que en principio debería estar bien llevada. Pero no.

En principio no empieza mal. Hay momentos en los que sientes la soledad del protagonista. Su desidia y la sensación de llevar una vida vacía. Pero la colega Sofia no engaña a nadie. Desde la primera toma vemos que va claramente a alargar la película. Y es que en Somewhere realmente "no pasa nada".
Aquí está el problema. Es una película forzada. No tenemos nada que contar y nos empeñamos en hablar.
Todos (y cuando digo todos me refiero a todos) los planos están excesivamente alargados. Que no me vengan con que es una película pausada. Es una película llena de paja. Cada plano es más innecesario y está más bochornosamente estirado que el anterior. Hace mucho tiempo que no veo algo tan patético.

Realmente el vacío existencial del protagonista nos la suda. Muchas veces porque no existe tal vacío. Así que tras empatizar con la desidia del protagonista por medio de nuestro propio aburrimiento, entra en escena la hija, Elle Fanning. A partir de aquí el interés de la película decae hasta cotas irrisorias. La hija llena inmediatamente gran parte del vacío del protagonista, por lo tanto ya no hay nada más que contar. La hija es feliz, Johnny se siente más a gusto consigo mismo. ¿De qué va ahora la película? Entramos en una insufrible hora de payasadas padre-hija. Juegan a la consola, se bañan en la piscina, se toman un refresco, comen helado... Todo esto sin cambiar el ritmo cansino, a pesar de que la película haya dado un giro de 180º. ¿Por qué? Porque no tenemos nada que contar.

Así llegamos al final. La hija se va a un campamento de verano o algo así y Johnny vuelve a caer en su abatimiento. Entonces, la gran Sofia Coppola nos mete unos minutos más de paja y nos deleita con uno de los finales más estúpidos y flojos de los últimos años.

Así que tras hora y media apurada, no hemos visto nada. Hemos llegado a Nowhere (soy un mago de los juegos de palabras, lo sé). Pero lo peor es que a la gente pedante le mola esto. ¿Por qué? Porque Sofia Coppola es guay. Ella es modern, indie, sensible, metafórica y sutil.
Elle Fanning se lleva. Chris Pontius (de Jackass) es guay. Aparición estelar de Benicio del Toro. Ponemos música de los Strokes y de Phoenix. Hago lo que quiero y ruedo lo que quiero porque soy muy intimista. ¿Que no tengo nada que decir? Da igual, ya sacarán algo los que vean la película. ¿Que no te gusta mi película? Me importa una mierda porque tú no molas.

Lo mejor: Ahora cualquier película me parece trepidante.
Lo peor: La necesidad que tiene la gente de hacerse escuchar.
Conclusión: Padre e hija son unos paquetes y juegan al Guitar Hero en nivel fácil.

Mulholland Drive

Mulholland Drive
Director: David Lynch
Año: 2001
Reparto: Naomi Watts, Laura Elena Harring, Justin Theroux y papanatas varios.

Yo por lo general no me suelo meter en camisas de once varas, pero mira, me voy a poner un reto a la altura de Mouth On Fire: Mulholland Drive. Ésta, amigos, es una película que tiene un propósito clarísimo; decirte a la cara que eres gilipollas. Pero gilipollas-gilipollas; lo que viene a ser tonto del culo, vamos. Si al final de la película en vez de créditos hubiera salido un cartel que pusiera “¡Idiota! ¡JAJAJA!.”, así bien grande, me hubiera quedado muchísimo más tranquilo, de verdad. Pero como no sale, me quedo con la duda ¿Seré idiota? ¿Es David Lynch un dios narrativo al que no entiendo por mi estupidez congénita? ¿Son los que alaban esta película semidioses con infinita amplitud de miras? Nunca lo sabré. Pero ojo con el palmarés:

2001: Premios Oscar: Nominada a Mejor dirección

2001: Premios Globos de Oro: 4 nominaciones (Película, director, guión, BSO)

2001: Premios BAFTA: Mejor montaje. 2 nominaciones

2001: Premios Cesar: Mejor película extranjera

2001: Festival de Cannes: Mejor Director (David Lynch). 2 nominaciones

2001: Festival de Toronto: Mejor director

2001: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película

2001: Círculo de Críticos de New York: Mejor Película

2001: Círculo de Críticos de Chicago: Mejor película, director, actriz. 5 nominaciones

2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director
2001: National Board of Review: Mejor actriz (Naomi Watts)

2001: Independent Spirit Awards: Mejor fotografía

Pues no lo entiendo, porque de verdad que esta película no hay por dónde cogerla. Nada tiene sentido, cojón. Y aquí sale el Capitán Obvio y me dice: ES QUE NO ES UNA PELÍCULA PARA ENTENDERLA, SINO PARA SENTIRLA. ¡No me digas! Un rodillazo en los cojones también es para sentirlo y no entenderlo, y los dos joden bastante; en eso se parecen. Y a todo esto ¿De qué va? Pues francamente, no lo sé y a estas alturas, me la pela.
Si investigas por Internet, las teorías alcanzan niveles propios de este tío (¡Hay un link! Eh!). Puede que sean dos cosas:
Uno: Lynch no quería que se entendiera y empezó a remover una historia con sentido hasta hacer un rico puré alucinógeno.
Dos: Aquí nada tiene la más mínima lógica y mucho me temo que alguien se está riendo de mí…otra vez. El tema es que apenas hay críticas negativas a esta película por Internet. La gente en general dice como como esta: “Yo…entendí Mulholland Drive a la primera..Etjem, etjem. Es todo una reflexión sobre lo alienada y chunga que está la sociedad, la relación entre el yo y el superyo, así como con parte de las teorías de Jung.” Pero tú y yo sabemos que de listos está el mundo lleno.

El problema de narrar algo, así, al buen tuntún, es que si al final no quieres contar nada consigues una mierda sin par. ¡Objeción!, diréis con énfasis. Si le pones un poco de ganas para contar algo, te sale Reservoir Dogs. ¿Captas, Lynch?. La mera experiencia estética es decir: “¡Ooooh, es tan PROFUNDO….! Capto el significado con mi hipsterómetro.” No me jodas, di que no entiendes ni papa y acabamos antes.

Pero pongo un resumen (que en este caso, sirve de bien poco…) : “Una joven alegre y algo ingenua, Betty, llega a Los Angeles dispuesta a ser una gran actriz , y se aloja en el apartamento prestado por su tía. Allí se encontrará con Rita, una mujer amnésica, única superviviente de un accidente en la carretera de Mulholland Drive. En la misma ciudad, un egocéntrico director de cine ve cómo tiene que someterse a los productores de su película, que le imponen a la protagonista. Las tres tramas se entrecruzarán misteriosa y oscuramente en búsqueda de su identidad perdida, con personajes que se debaten entre el amor y la muerte, entre el éxito y el fracaso”. Jajaja, pobre iluso que te crees que verás un thriller; no tienes ni idea de dónde te estás metiendo. Cada escena es un WTF que supera al anterior. 

El estilo Lynch es este: Escribo una historia por lo general normal, me tomo un chupito de absenta. Recorto el guión en trocitos y los tiro al suelo. Chupito al canto. Los recojo y los pongo encima de una mesa y reescribo lo que salga. Chupitazo y algo de LSD. Incluimos paranoias varias. Una pincelada de ambiente opresivo, música lynchiana y voilá, Mulholland Drive.

 

Su peinado le dice lo que tiene que hacer.

Básicamente, y para que se entienda: Los personajes están como cabras. No se entiende lo que hacen ni por qué. Muchos de ellos salen una vez o dos como mucho protagonizando subtramas (o películas diferentes, sabe Dios). Todo es muy etéreo, subliminal y agobiante: la música, el ambiente, la fotografía…a eso nada que objetar. ¿El guión? Un jaleo elevado a la enésima potencia. Tramas dentro de tramas, flashbacks que no sabes para dónde van ni si son reales, subtramas de chichinabo, ni tiempo ni espacio…Muy guay para comentar si vas pedo, pero no para ver un domingo por la tarde (por ejemplo). Parece ser que la película es un sueño que va al revés, pero luego no. ¿?

Los personajes (los que salen más de dos veces, vamos…) son:

Rita, la amnésica. Pierde la memoria y parece ser que en realidad se llama Diane, tiene miedo de alguien o de algo y se esconde en casas ajenas a dormir. Está para encerrarla y tirar la llave al mar.
Betty: Alegre soñadora que acabará fatal. Le va el rollo bollo pero no lo sabe. Una papanatas sin voluntad propia.
Adam Kesher: Pusilánime (qué palabra) director que se ve presionado por la Mafia para contratar a una actriz llamada Camilla Rhodes. Le putean todo el metraje pero nos importa un pimiento, porque sabemos que al igual que todos los que lo rodean, su historia no llegará a ningún lado y así es. Se parece a uno de Big Bang Theory.

 Siempre están mirando cosas intensamente 

en esta película.

Y para que veáis que no me lo invento, os propongo un juego. Sí señor, crítica interactiva; aquí en Mouth On Fire estamos subidos al carro de las nuevas tecnologías (ni contador de visitas tenemos ¿Para qué? Íbamos detrás de Megaupload en el ránking, así que hemos subido puestos). Yo pongo una serie de escenas que salen en la peli, y vosotros adivináis cuáles me he inventado. ¿Conseguiré que se me vaya la olla lo suficiente? No lo creo, además no suele quedar bien drogarse en el trabajo. ¿Preparados? Pues ale, coged aire y a leer:

(Aviso: no os vais a enterar de qué va esto..al igual que si vierais la película)

1) Hay por ahí un director de cine que le llaman a una reunión. El caso es que vienen dos productores importantísimos a los que todos tienen mucho miedo; a uno de ellos le han traído el mejor expreso del mundo mundial. Los demás de la reunión están acojonados por si no le gusta, no así el espectador que observa alucinado la “tensión” del momento. Pero ¡Oh! No le gusta. Lo vomita en su pañuelo y grita al aire. El otro productor mira al suelo y murmura: “Es la chica, es la chica…”. Delicatessen. ¡Y ATENCIÓN! Que una de las paranoias que hay por Internet relaciona toda la peli con el consumo de café; ese poderoso lobby que maneja a su antojo nuestro destino.

Esta imagen es lo que mejor define la película. 

Mentalmente, se ve así.

2) Un cartero pasea tranquilamente por una calle de esas interminables de L.A., bitches. Al girar un esquina aparece un paquete perfectamente envuelto en el suelo, que el cartero como es lo suyo lógicamente recoge. Tiene una dirección escrita. Mientras el cartero recoge el paquete, un negro con un parche en el ojo vigila desde un ventanal y susurra por un walkie. El cartero entrega el paquete en la que es la casa de nuestra protagonista. El caso es que dentro hay una oreja cortada…Eh… ¡Referencias dentro de referencias!. Sobra decir que la oreja corta el rollo a nuestras protagonistas.

3) Dos tipos muy raros que sólo salen una vez hablan de idioteces en un bar, con referencias a sueños de por medio (¿Vais captando al amigo Lynch?). Que si yo estaba allí, y tu también, y luego yo no…Yo estaba allí, y me miraba. La tensión en estos momentos es insoportable, creo que me tiraré por la ventana antes que seguir viendo esto. El caso es que se van a dar una vuelta. Rodean el restaurante y detrás de un muro sale una especie de mendigo – monstruo ¡Buh! . Uno se desmaya y pasamos a otra cosa.

  

Mendigo medievo-style.

4) Al director le ponen los cuernos ¡En su propia casa! Se enfada el tío susceptible, y tira las joyas de la amante a un cubo de pintura, consiguiendo de regalo un galleto del nuevo amigo de su mujer, por gracioso. Un poco más tarde descubre que los productores vomitadores de café le han vaciado la cuenta. Pobre hombre. Sin embargo, aparece EL COWBOY. Misterioso personaje que simboliza que el advenimiento del Indie country folk está al caer y nos vamos a cagar. Le dice algo así como que deje actuar a Betty en la peli y funcionando. Pues vale.

5) En un sótano vive una especie de enano con traje dentro de un salón acristalado. El productor del café va a decirle….algo, qué más da. El caso es que este enano tiene que ponerse como una grabadora en el cuello para hablar y soltar incoherencias. ¿Será este el que mueve los hilos? Pues parece ser, pero no sale más en la peli. 

 "Señor Lynch, no tenemos mucho guión que rodar.

¡Pues metamos un enano en un sótano! Soy puro genio."

6) Las chicas se enamoran y folletean alegre y explícitamente en la cama, y ésta escena siempre se comenta cuando se habla de la peli, yo sólo digo: por algo será, eh, eh. A una le da un flush y decide en medio de la madrugada que es hora de ir al teatro. Lo más normal del mundo en medio de la noche; no tengo casi manta, deja de roncar, anda llévame al teatro…. Es una especie de cabaret muy raro donde un presentador les dice que todo es una grabación, un sueño (guiño, guiño). Luego canta una y a estas alturas de película tengo un ojo en la pantalla y otro en el reloj, a ver si queda mucho…

7) La tal Rita está amnésica y en su bolso tiene una caja azul. Supongo que esto es importante, pero está olvidada bastante rato. Se hacen amiguitas Betty y Rita, emprendiendo una absurda investigación para ver quién es ella. Sin embargo, nada parece ser lo que parece ser, que a su vez parece ser lo que tú quieras que parezca ser, pero eh, que está todo clarísimo. Al menos eso creo.
El caso es que en un ¿Sueño? ¿Realidad alternativa? el alter ego de Betty pide a un asesino que mate al alter ego de Rita, y éste le da la caja. Al final acaba en manos del mendigo monstruoso que la usará para guardar papelinas o algo similar…
Tira la caja azul al suelo dentro de una bolsa de papel. De ella salen dos viejos en miniatura andando a cámara rápida (volved a leedlo, sí sí). Los viejos en miniatura se cuelan por debajo de la puerta de la casa de Betty, que obviamente no se lo esperaba. Crecen y la acosan riéndose por el pasillo, cosa que pone histérica a Betty, se cae en la cama y se pega un tiro. Se acabó la peli.

La llave del maletero de la Entreprise tiene todas 

las respuestas.

En realidad a todos nos importa un carajo que se pegue un tiro o no, puesto que tampoco sabemos si es real lo que estamos viendo o es una inmensa broma cósmica. Que tenga explicación esta película, es probable. Que sea comprensible, ahí ya está claro que no. Si eres un modernillo, defenderás a Lynch sobre todas las cosas, que para eso lo puso ahí la Madre Naturaleza, para crear clases sociales donde no las había.

En resumen, Mulholland Drive queda muy bien para decir que la has visto, pero como te toque defenderla…no saldrás del binomio bonita-inquietante. Pero ¡Eh! Que Lynch defiende que es una película “extremadamente lineal”. Macho, extremadamente lineal puede ser, yo qué se, Acero Puro o Rambo 2, pero no esto. Quizá esta crítica me haya quedado excesivamente reducida para lo que viene a ser Mulholland Drive, pero creedme cuando os digo que es muy, muy difícil que os guste esta película. Lynch debería pasarse al videoarte sin más que seguro que ahí estará muy contento y feliz. Al fin y al cabo, si no haces películas para que se entiendan lo más mínimo ¿Para qué las haces? Y aún digo más: ¿Quién te da la pasta para hacerlas?, y me atrevo a añadir ¿QUÉ TE FUMAS?

Lo mejor: Mal que me pese, actúan todos muy bien, la música está bien y la fotografía está bien. La escena de cama está MUY BIEN, las cosas como son.
Lo peor: Sin Jack Daniels no se aprecia la película en toda su esplendorosidad.
Conclusión: De las mejores peores películas de la Historia del cine.

Faster, Pussycat! Kill! Kill!

Amigos de la velocidad, el sexo y la violencia; hoy os traigo un clásico. La ranciez (¿existe esta palabra?) convertida en culto. "Más rápido, Gatita! Mata! Mata!"

Película de 1965 englobada en el género exploitation, que va pues de eso, explotar de forma morbosa la violencia y el sexo o lo que sea. Bueno mirad la wikipedia para saber más, que es donde lo estoy mirando yo.

"Ladies and gentlemen, welcome to violence" Así empieza un prólogo narrado sobre sexo y violencia en el que, la verdad sea dicha, me perdí entre tanta tontería. Pero esos treinta segundos de sesuda filosofía se desvanecen en la nada cuando salen en pantalla sus tres protagonistas: ¡Tres go-gos jamonas!Yeah!

Las describiré para que os hagáis una idea. Varla, la líder del grupo tiene un poco de sarnazo. Una especie de travelo con las cejas pintadas a boli. Lo compensa con el mejor escote de la época. Rosie, que podría salir perfectamente en "Jersey Shore", es un poco choni, tiene acento de güido y actúa como el culo. Lo compensa con el segundo mejor escote de la década. Y por último Billie, que es la rubia. Es la que está más buena; por eso lleva menos escote.

Bueno, pues las tres van en coches deportivos por el desierto ahí super chungas, locas y autosuficientes. Se encuentran con uno que corre con su coche para batir su tiempo personal. Un buen tipo que no molesta a nadie. Las tres go-gos se meten con él diciendo que es un débil con frases como: "I don´t beat clocks, just people!" y acaban matándole gratuitamente y raptando a su novia.

Llegados a este punto haré un inciso para comentar las penosas escenas de violencia. A Van Damme se le da bien hacer escenas de violencia. A estas chicas no. Las peleas se limitan a rebozarse por el suelo y dar golpes del conejo con el canto de la mano. Pero bueno, aún así hay muertes.

Y llegamos al meollo de la película. Todo lo anterior no viene a cuento. Es más, tienen que cargar con la chica secuestrada todo el rato. Para el que le interese, la chica secuestrada va siempre en bikini. 

El trío pectoral se entera de que en un rancho vive un viejo y sus dos hijos y que están forrados. Así que van directas a por la pasta. Obviamente el viejo flipa al ver entrar a esas mujeronas por la puerta de su rancho y las acoge con sumo gusto. Así, tras un buen rato de vagas seducciones, intentos de fuga y tonterías varias, se empiezan a matar entre ellos. 

Pues de esto es lo que va esta peli. Una película cimentada en violencia, coches y pechos. Y no me rio de ello. Ole Russ Meyer (el director) por hacer una película así en los años 60. Obviamente me rio de lo cutre del asunto. Pero habréis notado poca malicia en mis comentarios.
Demos todos las gracias a "Faster, Pussycat!" por ser la madre de mierdas como "Fast and Furious" o de dar ideas a Tarantino.
Lo que pasa es que hay una gran diferencia. "Faster, Pussycat!" fue, como poco, escupida por el público de su época.Cincuenta años después, el mundo ha cambiado tanto que de "Fast and the Furious" hay, creo, cinco películas y "Death Proof", del amado Quentin, es poco menos que una obra maestra. ¿Qué nos ha pasado?

Lo mejor: 

Lo peor: Ni un sólo desnudo explícito.
Conclusión: Es triste aguantar una hora y media de película a base de escotes estrategicamente dispuestos a lo largo del tiempo.

Juno

Y como lo prometido es deuda (se lo prometí a Nicholas Cage), hoy voy a hablar de una gran película del cine indie de modernos: ¡Juno!
Seguro que alguno de vosotros dirá: "¡Maldito hijo de puta! ¡Serás capaz de hablar mal de una película tan bonita!" Aaaaarrgggh (rabia contenida) ¡Partiré mis gafas de pasta y te apuñalaré con las astillas!"

Pues sí. Voy a hablar de Juno. Y aunque tengáis razón en que es una película bonita, eso no es sinónimo de bueno. Creedme, tenéis que luchar contra ese efecto sedante que ofrece la belleza. Todos acabamos la película con una sonrisilla bobalicona que suministraba feromonas multicolores y anestesiantes a nuestros cuerpos, haciéndonos olvidar el pastiche que nos acabamos de tragar. Pero es momento de levantarse; y el alpiste que ayer me hizo ver todo bonito y divertido, se ha convertido hoy en resaca.

Voy a intentar ser conciso y directo. "Juno" es como un capítulo de "Embarazada a los 16" de la MTV, pero light y sin cafeína y a la que sólo le falta haberse grabado con lomográfica.

Para los que no hayáis visto la peli os hago un resumen: Juno (la chica se llama igual que la película, y viceversa) se queda embarazada de un toli. Así que decide dar al hijo que tendrá en adopción. Cuando por fin tiene al hijo y ya lo ha dado, se vuelve a arrejuntar con el toli que la dejó preñada porque se da cuenta de que es el mejor tío del mundo. Todo sale bien y cantan una canción juntos mientras la cámara se aleja. The End.
Esto ha simple vista es un coñazo, peeeeero si lo engalanamos con un ligero toque indie, desenfadado, moderno y bonito...Chan! nadie se dará cuenta de que esto es una mierda. Así que su guionista, Diablo Cody (¿Diablo Cody), que es una indie, una moderna y una desenfadada (¿y bonita? No) se pone manos a la obra para enseñarnos al mundo lo guay que es ser guay como ella.

-Toque indie: Vamos a mezclar a lo golfainas el estilo de Wes Anderson con Napoleon Dynamite. A Ghost World con Winter´s Bone. A tu prima la coja con meloinvento. (Habéis visto que referencias tan indies pongo, eh?)
-Toque moderno: Juno habla con una jerga juvenil propia de "Al salir de clase" con comentarios como: "¿Está clarinete?" (queriendo decir "¿Está claro?")...patético. Pero a pesar de su alto grado de retrasadez mental, Juno es TAN moderna que escucha Sonic Youth, Patti Smith y a Iggy entre otros. Sabe de guitarras eléctricas, de directores de cine gore underground, de payasadas varias y fuma en pipa. Ya se por dónde vas, Diablo Cody...
-Toque desenfadado: ¡Una tipografía a mano y funcionandin! Si es que..que locuelos sois.
-Toque bonito: Un mundo artificial donde constantemente suena una música indie-folk que te hará sangrar Sunny Delight por orejas. Lo que en la MTV es un drama de puta madre, en "Juno" no pasa ni media. Todo es soleado y va sobre ruedas. ¿Que tengo un hijo? Lo doy en adopción y aquí paz y después gloria. ¿Sentimientos paternales? Estoy demasiado ocupada viviendo en un mundo anestesiado.

Amigos de la amistad, ¿qué nos enseña Juno? Que si te dejas engatusar por atardeceres dorados, puedes acabar embarazada y disfrutando de películas como ésta.

Lo mejor: Ahora eres un pelín más hipster.
Lo peor: Diablo Cody. Buscadla en google. De todo sabe y de todo entiende.
Conclusión: A Juno la dejan embarazada por no tener que escucharla.

Animal Kingdom

De todas las películas presentes en este blog. Animal Kingdom es la única que estás obligado a ver. Al resto las pueden dar alegremente por culo (sí, a Cisne Negro también, no seas llorón).
Pero hace tiempo que no escribo, y la última peli que ví (Papillon, 1973) es demasiado buena, así que de alguna tengo que sacar algo malo, y le ha tocado el turno a Animal Kingdom.

Para empezar y como aviso, Animal Kingdom es una historia de australianos barriobajeros, así que si la vas a ver en V.O. prepara tu mejor poker face porque no te vas a enterar ni por donde te llega el aire.

El protagonista es Joshua Cody, "J" para los amigos, un toli al que se le muere la madre y se tiene que ir a vivir con su abuela y tíos. Éstos son como los Fratelli, la familia de mafiosos de los Goonies (pero sin Sloth). Deben de robar muchas gallinas porque sufren una represión policial brutal y sangrienta. Así se produce un toma y daca entre las fuerzas de ley y La Familia. Mientras tanto, "J" el jóven pollaboba, se ve en medio de éste torbellino de destrucción.

Así que ya está, violencia, negocio familiar, venganza... Se ha querido comparar a Animal Kingdom con las mejores historias de mafia, como "Uno de los nuestros" (lo pone en el trailer). Pero ese es el error. Ni de coña, a pesar de que hay momentos que intenta asemejarse ridículamente a ese rollo.

Se supone que son una familia que se dedica a los negocios sucios; pero lo que da la sensación es que se han dedicado a vender porrillos a chavales y un desmesurado peso de la ley ha caído sobre ellos.
La familia está encabezada por una matriarca, Janine Cody (Jacki Weaver), que va de lista, de que tiene contactos e incluso se atreve a chantajear. Pero en realidad es una prepara zumos que ni pincha ni corta y en ocasiones roza el ridículo (¿nominada a mejor actriz secundaria por este papel? me meo)
El líder es uno de los tíos, "Pope". Una especie de hermitaño psicópata. Bien logrado su personaje, pero no puede ser el líder de la family.
Tienen incluso un abogado/consiglieri que es un insulto para el "Tom Hagen" de Robert Duvall.
También se reúnen en sitios secretos para distraer a la poli, en un supermercado, un museo(¿?)... hasta a los peores delincuentes les agrada una mañana de cultura artística, pensará la policía.
Y cuando parece que la familia se pone seria y va a empezar una vorágine de vendettas, lo único que hacen es ser unos paquetes.

Es decir, que no te vendan la moto de mafia con polainas porque me descojono de ellos. Los Cody no tienen ni media hostia al lado de los Corleone (o incluso de los Fratelli).

Así que si quieres una de mafiosos con TommyGuns, ahórratela. Ésto es un drama social. Una peli que va muy despacito (abusando a veces de la cámara lenta). Una visión de la realidad desde fuera, impasible, como su protagonista. Un protagonista que se mueve en el dilema moral entre el bien (la ley) y el mal (su familia) y que nos ofrece un final de película que hará que se te caigan las bragas al suelo.

Lo mejor: Asesinatos totalmente imprevisibles.
Lo peor: Ésta crìtica es un rollo, pero te jodes, porque ya la has leído.
Conclusión: No volveré a intentar hacer críticas destructivas de películas buenas. Lo siento.

Winter´s bone

¿Creías que había acabado con los Oscars´11? Jodíos ignorantes, aquí está Winter´s Bone!

La ración anual de cine independiente en los Oscars. Bajo presupuesto, directora semi-nobel, actriz jóven que lleva todo el peso, ritmo pausado, realismo social, trágica, difícil de digerir, nada comercial, rollo autosuperación y un largo etcétera de tópicos. Con todo esto, es IMPOSIBLE que leas una mala crítica (a no ser que el que escriba sea un hereje como yo).
Ejemplo:
"Granik sabe contar la odisea de su heroína Ree sin sucumbir al golpe bajo sentimental, pero sin renunciar a la poesía de gran calado. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)

¿Sin sucumbir al golpe bajo sentimental?
Ree (Jennifer Lawrence) es una chica de 17 años a cargo de su madre enferma, dos hermanos pequeños, varios perros vagabundos y un caballo famélico. Les van a embargar el chabolo perdido en el culo del mundo donde viven si no encuentran a su desaparecido padre, un camello de crack que luego resulta le han matado. Mientras tanto, se alimenta de ardillas.

¿Odisea de su heroína?
Parece que no tenemos el mismo concepto de la palabra "odisea". Sirva de ejemplo la intensa búsqueda que hace Ree de su padre. Es de coña. Andando y en una tarde. Sí señor, su padre ha desaparecido en un radio de unos 500 metros cuadrados. Cuando se cansa, se va a casa a dormir.

¿Poesía de gran calado?
Resulta que llega un momento que te la sopla lo que le pueda pasar a nadie. Ningún personaje es capaz de crear empatía ni calar en el espectador. Ree es una especie de autómata que ni siente ni padece. Y al resto de personajes, nunca los llegas a conocer. Cambian de actitud repentinamente y se comportan de maneras totalmente aleatorias. A todo esto hay que sumar la inmensa cantidad de situaciones que no tienen ningún sentido (véase la charla con el militar cuando se quiere alistar al ejército. ¿?)

Lo mejor: Vivimos en un país donde cada uno puede opinar libremente.
Lo peor: Jordi Costa posiblemente tenga más razón que yo.
Conclusión: Ránking actualizado de odiseas
                     1º La de Homero.
                     2º La de Ree en Winter´s Bone.
                     3º La de Frodo.